Quotes

[:en]Okinawa Shogaku High School achieved their long-awaited first victory at the Summer Koshien. GACKT, a globally acclaimed artist from Okinawa, sent a congratulatory message to celebrate this amazing achievement.

GACKT, with his overwhelming charisma and unique style, has been active in a wide range of fields, including music and acting. His love for his hometown of Okinawa, his message, while still infused with his own unique style, expressed his pride as an Okinawan and passionate encouragement for the young baseball players.

Congratulations to everyone on the Okinawa Shogaku nine on your Koshien victory.

This is GACKT.

As a fellow Okinawan, I am truly proud that you have reached the top of the nation in this milestone year marking the 80th anniversary of the end of the war.

Thank you so much.

I believe that everyone's determination has given great courage and hope to the people of Okinawa.

And, Coach, thank you for your hard work.

Please continue to guide them as they pursue their dreams with your loving guidance.

GACKT wholeheartedly supports those who give dreams to Okinawa.

And that's all from GACKT.

Source: otv.co.jp/okitive/

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA

 [:it]La Okinawa Shogaku High School ha ottenuto la sua prima, attesissima vittoria al Summer Koshien. GACKT, artista di Okinawa acclamato a livello mondiale, ha inviato un messaggio di congratulazioni per celebrare questo straordinario traguardo.

GACKT, con il suo carisma travolgente e il suo stile unico, è attivo in una vasta gamma di campi, tra cui la musica e la recitazione. Il suo amore per la sua città natale, Okinawa, e il suo messaggio, pur permeato dal suo stile unico, esprimevano il suo orgoglio di okinawense e un appassionato incoraggiamento per i giovani giocatori di baseball.

Congratulazioni a tutti i nove giocatori dell'Okinawa Shogaku per la vittoria al Koshien.

Questo è GACKT.

Come cittadino di Okinawa, sono davvero orgoglioso che abbiate raggiunto il vertice della nazione in questo anno importante che segna l'80° anniversario della fine della guerra.

Grazie mille.

Credo che la determinazione di tutti abbia dato grande coraggio e speranza alla gente di Okinawa.

E, Coach, grazie per il tuo duro lavoro.

Continua a guidarli con amore mentre inseguono i loro sogni.

GACKT sostiene con tutto il cuore coloro che donano sogni a Okinawa.

E questo è tutto da GACKT.

Fonte: otv.co.jp/okitive/

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
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[:en]■ Pacific League Game 16: SoftBank vs. Nippon-Ham (July 31, Escon Field, Hokkaido)

Artist GACKT (52) appeared at the pre-game first pitch ceremony, just like last year. Last year, his pitch was a no-bounce, but it was way outside the strike zone, so this time he was looking for revenge. However, Golden Bomber's Sho Kiryuin (41) intruded. GACKT was forced off the mound and had to compete as a batter. Kiryuin, a former baseball player, threw a ball way off the mark, just like GACKT did last year. Fans in the stadium erupted in excitement at the sight of Kiryuin kneeling and GACKT sporting a wry smile. GACKT's Q&A is below.

--Fans were surprised by the turn of events after the event.
"It's true. No, I felt like I was completely unsatisfied. I feel like I have to come back."

-Was this your first time trying batting?
"A bat? Or a ball? This is my first time standing at the plate."

-Trying it out
"I wasn't sure whether I should swing with my right or my left. I just tried standing with my left."

-If you were to rate Kiryuin's pitching,
"If I gave him a 30 last year, he'd give him a 12 (laughs)."

-That's pretty low.
"Isn't that amazing?"

-That was way off topic.
"We were just talking about it."

-What kind of conversation were you having?
"He said he was a former baseball player (laughs)."

-GACKT also started practicing pitching last year.

Article Source: doshinsports.com
Photo credit: nikkansports.com daily.co.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
[:it]■ Pacific League, Gara 16: SoftBank contro Nippon-Ham (31 luglio, Escon Field, Hokkaido)

L'artista GACKT (52) è apparso alla cerimonia del primo lancio prima della partita, proprio come l'anno scorso. L'anno scorso, il suo lancio era un no-bounce, ma era ben oltre la zona di strike, quindi questa volta cercava vendetta. Tuttavia, Sho Kiryuin (41) dei Golden Bomber si è intromesso. GACKT è stato costretto a scendere dal monte e ha dovuto competere come battitore. Kiryuin, ex giocatore di baseball, ha lanciato una palla molto lontana dal bersaglio, proprio come aveva fatto GACKT l'anno scorso. I tifosi nello stadio sono esplosi di entusiasmo alla vista di Kiryuin inginocchiato e di GACKT con un sorriso ironico. Le domande e risposte di GACKT sono riportate di seguito.

--I tifosi sono rimasti sorpresi dalla piega che hanno preso gli eventi dopo l'evento.
"È vero. No, mi sentivo completamente insoddisfatto. Sento di dover tornare."

- Era la prima volta che provavi a battere?
"Una mazza? O una palla? Questa è la prima volta che mi metto al piatto."

- Provando
"Non ero sicuro se dovessi colpire con la destra o con la sinistra. Ho provato a stare in piedi con la sinistra."

- Se dovessi dare un voto al lancio di Kiryuin,
"Se gli avessi dato 30 l'anno scorso, gli avrebbe dato 12 (ride)."

- È piuttosto basso.
"Non è fantastico?"

- Era completamente fuori tema.
"Ne stavamo solo parlando."

- Che tipo di conversazione stavate avendo?
"Ha detto che era un ex giocatore di baseball (ride)."

- Anche GACKT ha iniziato ad allenarsi come lanciatore l'anno scorso.

Article Source: doshinsports.com
Photo credit: nikkansports.com daily.co.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
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[:en]On July 4th, GACKT's birthday event "Maou Seitan Kyoen 2025" was held at the Westin Tokyo.

On this day, GACKT celebrated his 52nd birthday and wrote in his X, "I never imagined I would survive this long... 20 years ago, I never imagined it." It was a rare opportunity to hear his thoughts directly from him. The event was divided into two parts, a day and an evening. Shukan Josei PRIME sneaked into the Lunch Banquet, which opened at noon! We will deliver an exclusive report.

Explaining GACKT's "I'm not a pig" quote

The lobby of the venue was decorated with congratulatory flowers sent by fans and celebrities, as well as multiple full-body panels of GACKT, and people were enjoying taking photos. Approximately 500 fans gathered for the day session. The audience was filled with excitement, and fans dressed up in their own way were enjoying food and drinks while waiting for the show to begin.

When the banquet started at 2pm, GACKT appeared from the door at the back of the audience wearing a black jacket embroidered with flowers! He walked through the audience to provide fan service amidst loud applause and cheers. Some fans were moved to tears by his graceful appearance as he made his way to the stage.

"How are you all? Have fun and go home. Because everyone is celebrating my 52nd birthday, I will stay young forever."

With this greeting, the first corner, "Gakugen - Recollections of Words", began. GACKT has left behind many proverbs known as "Gakugen", and he personally explains them. Several sayings were brought up, but the one that got the most attention was, "I'm not a pig. Why do I need to eat three times a day?"

A very GACKT-like phrase.

"What would you do? What if this event turned into a pig farm in the future?" he said, teasing the audience, and showing his stoic side by saying, "I want to eat, but I don't eat, which is what makes me GACKT."

Surprise guests such as HYDE also made an appearance

After the talk corner, a digest video of the live concert "GACKT PHILHARMONIC 2025" held with an orchestra on April 13 was shown. The album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony" recorded at this concert was released on his birthday, so he shared the inside story of the concert, which combined classical and rock music. Furthermore, GACKT, who has a strong attachment to classical music, made a surprise announcement that he will hold a classical music concert in 2026, delighting fans.

Next was a quiz corner where fans could participate. Multiple-choice questions were asked during congratulatory video messages from celebrities close to GACKT, and the fan who answered correctly was the winner. The last person standing was given the privilege of taking a photo with GACKT.

A number of impressive guests appeared in the video as questioners, including DJ KOO, Nanase Aikawa, and HYDE. Maeda Nobuteru of TUBE also sent a congratulatory message, and presented GACKT with 5 kilograms of rice with Maeda's face printed on the packaging. However, he said, "I don't eat rice..." and gave it to the fan who came second in the quiz as a prize.

After the quiz corner ended, a surprise guest appeared! Golden Bomber's Kiryuin Sho appeared holding a bouquet of flowers and sang a birthday song to celebrate GACKT's birthday. To GACKT, who he has known for over 20 years, he sent a message saying, "No matter how old we get, I'll always love you! Congratulations!"

The event ended with a live performance, of course. He performed four songs in an acoustic arrangement: "Tsuki no Uta," "Kimi ga Oikaketa Yume," "PAPA LAPPED A POP LOPPED," and "MEMORIES."

"I want to continue to be someone that you can all be proud of. From now on, whenever you're in doubt, come back to me."

As GACKT spoke passionately, the event drew to a close with loud cheers. Having spent his birthday with his fans, GACKT had made the best start to his 52nd year.

Source: jprime.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA

 [:it]Il 4 luglio, l'evento per il compleanno di GACKT, "Maou Seitan Kyoen 2025", si è tenuto al Westin Tokyo.

In questo giorno, GACKT ha festeggiato il suo 52° compleanno e ha scritto sulla sua X: "Non avrei mai immaginato di sopravvivere così a lungo... 20 anni fa, non l'avrei mai immaginato". È stata una rara opportunità per ascoltare i suoi pensieri direttamente dalla sua bocca. L'evento si è diviso in due parti, una diurna e una serale. Shukan Josei PRIME si è intrufolato al Lunch Banquet, che ha aperto a mezzogiorno! Vi offriremo un rapporto esclusivo.

Spiegazione della citazione di GACKT "Non sono un maiale"

L'atrio del locale era decorato con fiori di congratulazioni inviati da fan e celebrità, oltre a diversi pannelli a figura intera di GACKT, e la gente si divertiva a scattare foto. Circa 500 fan si sono radunati per la sessione diurna. Il pubblico era in delirio e i fan, vestiti a modo loro, si godevano cibo e bevande in attesa dell'inizio dello spettacolo.

All'inizio del banchetto alle 14:00, GACKT è apparso dalla porta in fondo al pubblico con una giacca nera ricamata a fiori! Ha attraversato il pubblico per offrire un servizio ai fan tra applausi scroscianti. Alcuni fan si sono commossi fino alle lacrime per la sua eleganza mentre si dirigeva verso il palco.

"Come state tutti? Divertitevi e andate a casa. Dato che tutti festeggiano il mio 52° compleanno, rimarrò giovane per sempre."

Con questo saluto, iniziava il primo angolo, "Gakugen - Ricordi di Parole". GACKT ha lasciato molti proverbi noti come "Gakugen", e li spiega personalmente. Sono stati citati diversi detti, ma quello che ha attirato più attenzione è stato: "Non sono un maiale. Perché dovrei mangiare tre volte al giorno?"

Una frase in pieno stile GACKT.

"Cosa faresti? E se in futuro questo evento si trasformasse in un allevamento di maiali?", ha detto, stuzzicando il pubblico e mostrando il suo lato stoico: "Vorrei mangiare, ma non mangio, ed è questo che mi rende GACKT".

Sono comparsi anche ospiti a sorpresa come HYDE.

Dopo l'angolo dedicato alle chiacchiere, è stato mostrato un video riassuntivo del concerto dal vivo "GACKT PHILHARMONIC 2025" tenutosi con un'orchestra il 13 aprile. L'album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony", registrato durante questo concerto, è uscito il giorno del suo compleanno, quindi ha condiviso la storia del concerto, che combinava musica classica e rock. Inoltre, GACKT, che ha un forte legame con la musica classica, ha annunciato a sorpresa che terrà un concerto di musica classica nel 2026, deliziando i fan.

A seguire, c'era un angolo dedicato ai quiz a cui i fan potevano partecipare. Durante i videomessaggi di congratulazioni, le celebrità vicine a GACKT hanno posto domande a risposta multipla e il fan che ha risposto correttamente è stato il vincitore. L'ultimo rimasto in piedi ha avuto il privilegio di scattare una foto con GACKT.

Nel video sono apparsi diversi ospiti di spicco, tra cui DJ KOO, Nanase Aikawa e HYDE. Anche Maeda Nobuteru dei TUBE ha inviato un messaggio di congratulazioni e ha regalato a GACKT 5 chilogrammi di riso con il volto di Maeda stampato sulla confezione. Tuttavia, ha detto: "Non mangio riso..." e lo ha dato al fan arrivato secondo nel quiz come premio.

Dopo la fine dell'angolo quiz, è apparso un ospite a sorpresa! Kiryuin Sho dei Golden Bomber è apparso con un mazzo di fiori in mano e ha cantato una canzone di compleanno per celebrare il compleanno di GACKT. A GACKT, che conosce da oltre 20 anni, ha inviato un messaggio dicendo: "Non importa quanti anni avremo, ti amerò sempre! Congratulazioni!"

L'evento si è concluso con un'esibizione dal vivo, ovviamente. Ha eseguito quattro canzoni in versione acustica: "Tsuki no Uta", "Kimi ga Oikaketa Yume", "PAPA LAPPED A POP LOPPED" e "MEMORIES".

"Voglio continuare a essere qualcuno di cui possiate essere tutti orgogliosi. D'ora in poi, ogni volta che avrete dubbi, tornate da me."

Mentre GACKT parlava con passione, l'evento si è concluso con un fragoroso applauso. Dopo aver trascorso il suo compleanno con i fan, GACKT aveva iniziato al meglio il suo 52° anno.

Fonte: jprime.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
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[:en]At the special performance "GACKT PHILHARMONIC 2025" held in April, GACKT performed with an orchestra for the first time in 10 years. Returning to classical music, which could be said to be the "parent" that nurtured his musical outlook, he pursued an ensemble in which rock and classical music truly resonated with each other. In order to realize the fusion of band and orchestra, he carried out rehearsals that were described as "hellish work" for over a month. His attitude of thoroughly tinkering with all sounds, including the vocals, is condensed in his new album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Demon King Symphony," which contains the performance.

■Most of the rehearsals were "experiments"

--I'd like to talk about your new album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony", but first, please tell us what classical music means to you, GACKT.

I like this kind of question that I don't get asked in other media. Classical music is like a "parent" that cultivated my musical perspective. I was originally a classical musician. It was because of classical music that I was able to create my rock songs. This also ties into this "Maou Symphony", but in the end, whether or not there is an affinity with classical music determines whether the orchestral arrangement will harmonize well and work as an ensemble.

--How exactly do you distinguish whether or not there is an affinity?

My songs basically use a lot of tracks in one song. The idea of ​​layering sounds is very classical. There is a limit to the amount of information that the human ear can process, so some people may feel that there are too many sounds and it's "noisy". But for people who like music, as they listen, they start to hear sounds they hadn't heard before. They suddenly realize, "Oh, there's a melody in this." That's the kind of work I want to create. Also, my songs have a lot of odd time signatures, and in that respect, many of my songs have an affinity with classical music.

--Please tell us why you decided to hold a live concert with an orchestra for the first time in 10 years.

10 years ago, I did a concert with an orchestra, but at that time, we were doing a live concert with an orchestra in the background, and I felt that "someone other than me can do this." When I did it, it didn't exceed my imagination. But this time, I wanted to thoroughly explore how rock and orchestra can work as an ensemble, sonically. I wanted to create something that would impress both classical music fans and rock fans. Musically, I think it was something that could be given a very high score. However, there were many restrictions in the visual aspect, and some things didn't go as planned.

--What didn't go as planned?

Classical music halls have a lot of restrictions. There are so many things that say, "This is not allowed, that is not allowed." Of course, I understand the reason, but for example, if the venue has a pipe organ at the back, the production is quite restricted. On top of that, the audience cannot stand and watch. There are a lot of detailed restrictions like that. Of course, there are good points. Classical music halls are designed only to deliver sound, so the sound has excellent directivity. When you play in a multi-purpose hall, the sound returns to the stage with a few seconds delay after you make a sound. This is the so-called "rotating" phenomenon, but classical music halls are really well designed, the sound does not rotate, and the speed at which it reaches the very back is very direct and beautiful.

--GACKT's band YELLOW FRIED CHICKENz participated in this performance, and I imagine the band members felt the same beauty of the sound.

I was the only one who got off the stage and stood in the audience, and I was constantly checking what kind of ensemble it was, so I think the band members were busy with their own performance.

--It certainly seems like a tough performance.

We rehearsed for almost a month, which was completely different from a normal band rehearsal. Usually we focus on matching the timing of the performance, but this time we rehearsed to see how the orchestra and instruments could "ensemble".

--I see...

The most difficult part was the drums. When we listened from the audience seats, we couldn't hear the drums, so we turned up the volume, but then we couldn't hear the guitar. So we turned up the guitar, and then the bass got buried... and we kept doing that, and the sound became messy. And then we added an orchestra of 70 people to it. It's not acceptable for someone to not be able to hear the sound of the other person, so the minimum starting point for this live performance was whether or not it would work as an ensemble. In fact, even artists who have done ensembles with orchestras and bands have not been able to continue. Even when listening to them live, you end up thinking, "The original is better after all." One reason is that they forcefully arrange songs that don't have any affinity into an orchestra. Another reason is that the sound balance on stage is not achieved.

--How did you solve the latter problem?

First of all, we used electric drums. I was against electric drums, but this time I tried using them for the first time. This is because with live drums, there is a limit to how much you can change the sound quality on the spot. Even if you change the cymbals or snare themselves, there are only a limited number of types, and even if you mute them, the range of adjustment is narrow. But with electric drums, you can adjust each note one by one. We had a professional tech come in and we created the sound from scratch. For example, with the bass drum, we didn't want a "loud sound," but rather a "clear (easy to hear) sound." We worked out what frequency band would allow this. In this ensemble, if the snare gets buried, we can tune the sound to the frequency band where the snare can be heard. With electric drums, you can do that.

--That's a scientific approach.

So most of the rehearsals were "experiments." First we created the drum sound, and then the bass. For the bass, we looked for a sound that would support the low notes without interfering with the sound of the double bass. After that, we decided what the guitar sound should be.

■I actually hate doing all this detailed work

--It makes me realize how much detailed work is required to achieve both an orchestral and band sound.

It takes a really huge amount of time. It's a terrifying task. And with an orchestra, the output is completely different for each section: intro, A-melody, B-melody, solo, and outro. The output balance changes dramatically each time. But a band basically plays at the same output all the time. That doesn't work as an ensemble. So the band also adjusted the output for each section. For example, the guitar A-melody is lowered by 3 decibels, the B-melody is raised by 1 decibel, and so on. They worked on the balance in that way, very finely.

--So you worked on that thoroughly during rehearsals?

Right. I was just concentrating on "how to make it work as an ensemble." So I couldn't practice my own singing, and I would practice in my studio after rehearsals.

--The PA team, band members, and techs all had to do different things than usual.

For a normal band PA, if the guitar is too loud and the vocals are too quiet, you just raise the vocal fader and lower the guitar, right? But this time, there were about 80 instruments playing in total. It's impossible to instantly decide which sounds to raise and which to lower. So the purpose of the rehearsal was to "create a situation where the PA doesn't have to touch anything during the actual performance." All output adjustments were completed at the rehearsal stage. The guitar and bass techs also had to switch to different output settings for each section, even if the effects were the same. It was my first time doing something like that.

--That's a lot of work.

It was incredibly difficult. It was the first time for the PA and monitor engineers to make such detailed adjustments. So it was pointless unless everyone was facing the same direction. But at first, no one could understand what I was saying. It was difficult to explain.

--I feel like I'm finally starting to understand...

I'm glad you understood (laughs). I wonder if the readers will understand too...

-- I hope so.

But as we continued, everyone started to understand, and when I gave instructions they responded immediately. As a result, we were able to decide the output balance for each song and each section.

--You said at the beginning that musically it went exactly as you had hoped, but the actual performance was perfect, too.

The instruments were perfect. The balance was just as it had been in rehearsals. But the vocals were different. With vocals, you don't know how much of the live orchestra sound will be covered by the microphone (the vocal microphone will pick it up) until you're on stage. The vocal microphone picks up all the live sounds, so if you raise the fader on the vocal monitor, the orchestra sound will also go up. So I had to stand in front of the monitor desk and fiddle with the EQ to find the frequency band where only my voice would be clearly audible.

--So the actual performance required different adjustments.

The live orchestra sound was louder than expected. So I adjusted the sound to a frequency band where my voice would come through, and remade it.

--It's clear that this concert reflects a lot of careful work.

That's right. A rock and orchestra ensemble can't work unless it's of very high quality. But people who don't know music might think, "Huh? Is it that hard for a band and an orchestra to work together?" But it's actually really hard. That's why no one can continue. They don't have the knowledge, and they don't even want to do it. They just leave everything to the PA and monitors. But if you're prepared to go that far, then give it a try. It's really "hellish work." It's so much work that you can't do it.

--GACKT, do you like that kind of detailed work itself?

I don't like it at all (laughs). I'd rather not do it if possible. During rehearsals, I just sit at the front and listen to the ensemble, and I can't practice singing. I always think, "Someone else should do it for me." But there's no one who can do it, so I have to do it myself. I just think it's faster if I do it myself. In fact, I hate that kind of work.

GACKT, who is unrivaled on "Celebrity Rating Check," reveals his superhuman "ear powers" [Part 2 of the interview]

In the second half of the interview about GACKT's live album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony" to be released in July, we will get closer to the secret of the sound production that supports his superhuman "ear power". From the selection of orchestra members, to his unique method of using "clicks", to his attention to pitch in 1 hertz units, GACKT's secret of "increasing the resolution of the ear" is the very backing of the superhuman hearing ability shown on "Celebrity Rating Check". We hope you will listen and pay attention to GACKT's musical philosophy.

■Some musicians collapsed during rehearsals

--How did you select the members of this orchestra?

When deciding on the members, we kept changing them. We had to perform for more than three hours in total, in two performances, one in the afternoon and one in the evening, while standing. It was impossible unless the musicians could do that. In addition, we had to perform while wearing masks as part of the production, and we started by checking and adjusting each member to see from what angle the music sheet would be visible. In the end, we went to the performance with the members who we thought would be able to do it. Some musicians collapsed during rehearsals.

--Collapsed!?

Right. My rehearsals are long, and the people in the group have never been so packed. Some of them got sick and collapsed in the middle of the performance, and some of them asked us to let them sit down, so it was really difficult...

--So the members of this orchestra were the ones who could flexibly respond to those kinds of productions and conditions.

This stage was made possible because we gathered people who could respond flexibly and who wanted to create something new together. If we had chosen them simply because they were "good players," it wouldn't have worked.

--You all worked together to create a style that you'd never done before. After overcoming such hardships, the after-party must have been really exciting.

At the after-party, we looked back on this performance and talked about "what we gained." We talked about how we can use what we learned from this when we return to the band. In other words, if we pursue the sound as much as we did this time, we can play with a higher quality. Each member of the band was aware of that. So we said things like, "We need to create this kind of sound at this timing," or "We need to be conscious of making the sound stand out (be more audible)." It was a really "deep after-party" (laughs).

--That's a maniac after-party... The sixth song on the set list, "UNTIL THE LAST DAY," was particularly impressive. How was this song arranged?

This song is originally intense and "dangerous," so when the orchestra is added to it, we focused on how far we could expand this dangerous worldview when arranging it. In fact, we spent a lot of time arranging it. Also, it's a fast-paced song, so even the slightest delay would reduce the momentum. That's why we asked the orchestra to be conscious of playing it with a lot of "forward leaning." As a result, this song has a stronger sense of the madness and danger in the speed.

--A "forward leaning" performance?

The timing of an orchestra's performance is fundamentally different from that of a band. Basically, even if they start playing at a "point" of sound, they have a habit of starting a little "behind" that point.

--The band is exactly in sync with the click (a guide sound used to align the tempo), but the orchestra is "behind" it.

Right. When the orchestra actually plays to the click, it sounds a little "delayed" overall. But the band is on-rhythm. So, to make the transition between the two feel good, the vocalist has to be "in between."

--I see.

So the click I hear with my in-ear monitors is different from the click the band members hear. The click I hear is between the orchestra and the band. The band members' click is even earlier. We make these fine adjustments for each song during rehearsals. We do detailed work like "how far behind" we should put it.

--Was this your first attempt at that?

No, I always do this at my live shows. Even when I play in a band, I always adjust the click. Because sometimes the drum cymbals drown out my own voice. By shifting the click, my voice sounds clearer.

--Even among professionals, aren't there many who go that far?

No one does, normally.

--So you like doing detailed work after all... (laughs).

I don't like it (laughs)! I do it because it makes the listener feel good!

--You're incredibly particular.

I wonder if it's okay to reveal such a secret (laughs). This is a more detailed story, but even with regards to pitch (frequency), I sing at a standard pitch of A = 442 Hz. A difference of just a few Hz makes a huge difference in how the sound resonates. It's all about whether you're aware of that or not. Ordinary vocalists can't sense the difference.

■To have an A-rank ear...!?

--The sharpness of GACKT's ability to distinguish between different sounds that he shows in "Celebrity Rating Check" is only possible because he has this kind of ear.

I wonder if people find such nerdy stories enjoyable to read...

--Everyone must be enjoying it! For people who want to have "A-rank ears" like GACKT, are there any points they should keep in mind when listening to this work?

I said this earlier (part 1), but the amount of information that the human ear can process varies from person to person. Many people say they don't like classical music, but one of the reasons for this is that classical music contains too much information. There are many instruments, the melodies are complex, and the number of tracks is an incredible number. Being able to distinguish between all that is a bit like training. It's training. I like that kind of thing, so I sometimes use about 160 tracks in my own songs to create them. But on the other hand, for people who don't like that kind of complex sound, it sounds like "noisy music."

--There are "ways to train your ears" that suit each person's preferences and goals.

Music is similar to mathematics. Some people find complex formulas fun, while others can only use simple formulas. For people who don't find enjoyment in music, any formula is just "annoying". But once you realize how interesting it is, more complex music is often more enjoyable. When you're listening to music, you suddenly realize one day, "Oh, there's a melody like this!" That's proof that your ears are growing. If you can notice new sounds even though you've been listening to the same song for years, it means that the "resolution" of your ears has improved.

--If the resolution of your ears improves, you'll be able to notice the details of this work more.

This work also contains many small sounds that will make people with high-resolution ears say "Oh!". For those who like that kind of thing, this work will definitely be a hit.

--I'm sure there are people who think, "I don't have ears like GACKT, but I'd like to have them." Where should such people start?

I'm not saying you should listen to classical music. First, when you listen to your favorite music, if you have the environment to adjust the EQ (equalizer), try doing so. You can do it on your iPhone, too. Try different EQ settings and check "what sounds you can hear and what sounds disappear." Then you'll realize, "There's a sound like this at this frequency."

--It seems easy to get into.

For example, if you turn off all the low and mid ranges and listen to only the highs, the same song will sound completely different. You'll notice sounds that you don't normally hear. Once you experience that, even if you go back to the original EQ settings, you'll be able to "see" those sounds. That must be fun.

--That's great training.

I'm always tweaking the EQ, to the point that I sometimes wonder if I'm mentally unstable (laughs).

--I guess you like detailed work after all...

So...it's not (lol)!

Source: Oricon.co.jp, Oricon.co.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA

 [:it]In occasione dello speciale concerto "GACKT PHILHARMONIC 2025" tenutosi ad aprile, GACKT si è esibito con un'orchestra per la prima volta in 10 anni. Ritornando alla musica classica, che si potrebbe definire la "madre" che ha nutrito la sua visione musicale, ha creato un ensemble in cui il rock e la musica classica risuonassero profondamente l'uno con l'altro. Per realizzare la fusione tra band e orchestra, ha condotto prove che sono state descritte come "un lavoro infernale" per oltre un mese. La sua attitudine a sperimentare a fondo con tutti i suoni, comprese le voci, è condensata nel suo nuovo album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Demon King Symphony", che contiene il concerto.

■La maggior parte delle prove erano "esperimenti"

--Vorrei parlare del tuo nuovo album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony", ma prima, per favore, dicci cosa significa per te la musica classica, GACKT.

Mi piace questo tipo di domande, che non mi vengono poste in altri media. La musica classica è come una "genitrice" che ha coltivato la mia prospettiva musicale. In origine ero un musicista classico. È stato grazie alla musica classica che ho potuto creare le mie canzoni rock. Questo si collega anche a questa "Maou Symphony", ma alla fine, l'affinità con la musica classica determina se l'arrangiamento orchestrale armonizzerà bene e funzionerà come ensemble.

--Come distingui esattamente se c'è un'affinità?

Le mie canzoni utilizzano fondamentalmente molte tracce in un unico brano. L'idea di sovrapporre i suoni è molto classica. C'è un limite alla quantità di informazioni che l'orecchio umano può elaborare, quindi alcuni potrebbero pensare che ci siano troppi suoni e che sia "rumoroso". Ma chi ama la musica, ascoltandola, inizia a percepire suoni mai sentiti prima. Improvvisamente si rende conto: "Oh, c'è una melodia in questo". Questo è il tipo di lavoro che voglio creare. Inoltre, le mie canzoni hanno molti tempi dispari e, in questo senso, molte delle mie canzoni hanno un'affinità con la musica classica.

--Per favore, raccontaci perché hai deciso di tenere un concerto dal vivo con un'orchestra per la prima volta in 10 anni.

10 anni fa ho fatto un concerto con un'orchestra, ma all'epoca stavamo facendo un concerto dal vivo con un'orchestra in sottofondo, e sentivo che "qualcun altro oltre a me poteva farlo". Quando l'ho fatto, non ha superato la mia immaginazione. Ma questa volta, volevo esplorare a fondo come il rock e l'orchestra possano funzionare come un ensemble, dal punto di vista sonoro. Volevo creare qualcosa che potesse impressionare sia gli appassionati di musica classica che quelli di rock. Musicalmente, penso che si trattasse di qualcosa che meritasse un punteggio molto alto. Tuttavia, c'erano molte restrizioni nell'aspetto visivo e alcune cose non sono andate come previsto.

--Cosa non è andato come previsto?

Le sale di musica classica hanno molte restrizioni. Ci sono così tante cose che dicono: "Questo non è permesso, quello non è permesso". Certo, capisco il motivo, ma per esempio, se il locale ha un organo a canne sul retro, la produzione è piuttosto limitata. Inoltre, il pubblico non può stare in piedi a guardare. Ci sono molte restrizioni dettagliate come questa. Certo, ci sono aspetti positivi. Le sale di musica classica sono progettate solo per trasmettere il suono, quindi il suono ha un'eccellente direttività. Quando si suona in una sala polivalente, il suono ritorna sul palco con qualche secondo di ritardo dopo aver emesso un suono. Questo è il cosiddetto fenomeno della "rotazione", ma le sale da musica classica sono davvero ben progettate, il suono non ruota e la velocità con cui raggiunge il fondo è molto diretta e bellissima.

--La band di GACKT, gli YELLOW FRIED CHICKENz, ha partecipato a questa esibizione, e immagino che i membri della band abbiano percepito la stessa bellezza del suono.

Ero l'unico a scendere dal palco e a rimanere in piedi tra il pubblico, e controllavo costantemente che tipo di ensemble fosse, quindi credo che i membri della band fossero impegnati con la loro esibizione.

--Sembra davvero un'esibizione impegnativa.

Abbiamo provato per quasi un mese, il che è stato completamente diverso dalle normali prove di una band. Di solito ci concentriamo sul rispettare i tempi dell'esibizione, ma questa volta abbiamo provato per vedere come l'orchestra e gli strumenti potessero "unirsi".

--Capisco...

La parte più difficile è stata la batteria. Quando ascoltavamo dal pubblico, non sentivamo la batteria, quindi abbiamo alzato il volume, ma poi non sentivamo più la chitarra. Così abbiamo alzato il volume della chitarra, e poi il basso è rimasto coperto... e continuavamo a farlo, e il suono è diventato confuso. E poi abbiamo aggiunto un'orchestra di 70 persone. Non è accettabile che qualcuno non riesca a sentire il suono dell'altro, quindi il punto di partenza minimo per questa esibizione dal vivo era se avrebbe funzionato o meno come ensemble. In effetti, anche artisti che hanno fatto ensemble con orchestre e band non sono riusciti a continuare. Anche ascoltandoli dal vivo, finisci per pensare: "Dopotutto, l'originale è migliore". Un motivo è che arrangiano forzatamente brani che non hanno alcuna affinità in un'orchestra. Un altro motivo è che non si riesce a raggiungere l'equilibrio sonoro sul palco.

--Come avete risolto quest'ultimo problema?

Innanzitutto, abbiamo usato la batteria elettronica. Ero contrario alle batterie elettriche, ma questa volta ho provato a usarle per la prima volta. Questo perché con le batterie dal vivo c'è un limite a quanto si può modificare la qualità del suono sul momento. Anche se si cambiano i piatti o il rullante, ce ne sono solo un numero limitato, e anche se li si silenzia, il range di regolazione è limitato. Ma con le batterie elettriche, è possibile regolare ogni nota una alla volta. Abbiamo chiamato un tecnico professionista e abbiamo creato il suono da zero. Ad esempio, con la grancassa, non volevamo un "suono forte", ma piuttosto un "suono chiaro (facile da sentire)". Abbiamo calcolato quale banda di frequenza lo permettesse. In questo ensemble, se il rullante viene coperto, possiamo adattare il suono alla banda di frequenza in cui il rullante è udibile. Con le batterie elettriche, è possibile farlo.

--Questo è un approccio scientifico.

Quindi la maggior parte delle prove sono state "esperimenti". Prima abbiamo creato il suono della batteria, poi quello del basso. Per il basso, abbiamo cercato un suono che supportasse le note basse senza interferire con il suono del contrabbasso. Dopodiché, abbiamo deciso quale dovesse essere il suono della chitarra.

■In realtà detesto fare tutto questo lavoro di dettaglio.

--Mi fa capire quanto lavoro di precisione sia necessario per ottenere sia un suono orchestrale che di gruppo.

Ci vuole davvero un'enorme quantità di tempo. È un compito arduo. E con un'orchestra, il suono in uscita è completamente diverso per ogni sezione: introduzione, melodia in A, melodia in B, assolo e finale. Il bilanciamento del suono cambia drasticamente ogni volta. Ma una band suona fondamentalmente sempre allo stesso livello. Questo non funziona come ensemble. Quindi la band ha anche regolato il suono in uscita per ogni sezione. Ad esempio, la melodia in A della chitarra viene abbassata di 3 decibel, la melodia in B viene alzata di 1 decibel e così via. Hanno lavorato sul bilanciamento in questo modo, con grande attenzione.

--Quindi ci avete lavorato a fondo durante le prove? Esatto. Mi stavo concentrando solo su "come far funzionare il tutto come ensemble". Quindi non potevo esercitarmi a cantare da solo, e mi esercitavo in studio dopo le prove.

--Il team del PA, i membri della band e i tecnici dovevano fare tutti cose diverse dal solito.

Con un normale PA di una band, se la chitarra è troppo forte e la voce è troppo bassa, basta alzare il fader della voce e abbassare la chitarra, giusto? Ma questa volta c'erano circa 80 strumenti che suonavano in totale. È impossibile decidere all'istante quali suoni alzare e quali abbassare. Quindi lo scopo delle prove era "creare una situazione in cui il PA non dovesse toccare nulla durante l'esibizione vera e propria". Tutte le regolazioni dell'uscita sono state completate durante le prove. Anche i tecnici della chitarra e del basso hanno dovuto cambiare le impostazioni di uscita per ogni sezione, anche se gli effetti erano gli stessi. Era la prima volta che facevo una cosa del genere.

--È un sacco di lavoro.

È stato incredibilmente difficile. Era la prima volta che i tecnici del PA e dei monitor facevano regolazioni così dettagliate. Quindi era inutile se non tutti erano rivolti nella stessa direzione. Ma all'inizio nessuno capiva cosa stessi dicendo. Era difficile da spiegare.

--Sento che finalmente sto iniziando a capire...

Sono contento che tu abbia capito (ride). Chissà se anche i lettori capiranno...

--Spero di sì.

Ma continuando, tutti hanno iniziato a capire, e quando ho dato istruzioni hanno risposto immediatamente. Di conseguenza, siamo stati in grado di decidere il bilanciamento dell'uscita per ogni canzone e ogni sezione.

--All'inizio hai detto che musicalmente è andata esattamente come speravi, ma anche l'esecuzione vera e propria è stata perfetta.

Gli strumenti erano perfetti. Il bilanciamento era proprio come durante le prove. Ma le voci erano diverse. Con le voci, non si sa quanto del suono dell'orchestra dal vivo verrà coperto dal microfono (il microfono vocale lo capterà) finché non si è sul palco. Il microfono vocale capta tutti i suoni dal vivo, quindi se si alza il fader del monitor vocale, anche il suono dell'orchestra aumenterà. Quindi ho dovuto mettermi davanti al mixer e armeggiare con l'equalizzatore per trovare la banda di frequenza in cui solo la mia voce sarebbe stata chiaramente udibile.

--Quindi l'esibizione vera e propria ha richiesto diverse regolazioni.

Il suono dell'orchestra dal vivo era più forte del previsto. Quindi ho regolato il suono su una banda di frequenza in cui la mia voce sarebbe passata, e l'ho rifatto.

--È chiaro che questo concerto riflette un lavoro molto attento.

Esatto. Un ensemble rock e orchestra non può funzionare se non è di altissima qualità. Ma chi non conosce la musica potrebbe pensare: "Eh? È così difficile per una band e un'orchestra lavorare insieme?". In realtà è davvero difficile. Ecco perché nessuno può continuare. Non hanno le competenze e non vogliono nemmeno farlo. Lasciano tutto al PA e ai monitor. Ma se sei disposto ad arrivare a tanto, allora provaci. È davvero un "lavoro infernale". È così tanto lavoro che non ce la fai.

--GACKT, ti piace quel tipo di lavoro dettagliato in sé?

Non mi piace per niente (ride). Preferirei non farlo, se possibile. Durante le prove, mi siedo davanti e ascolto l'ensemble, e non posso esercitarmi a cantare. Penso sempre: "Qualcun altro dovrebbe farlo per me". Ma non c'è nessuno che possa farlo, quindi devo farlo io. Penso solo che sia più veloce se lo faccio io. In realtà, detesto quel tipo di lavoro.

GACKT, ineguagliabile a "Celebrity Rating Check", rivela i suoi sovrumani "poteri uditivi" [Parte 2 dell'intervista]

Nella seconda parte dell'intervista sull'album live di GACKT "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Maou Symphony", in uscita a luglio, ci avvicineremo al segreto della produzione sonora che supporta il suo sovrumano "potere uditivo". Dalla selezione dei membri dell'orchestra, al suo metodo unico di utilizzo dei "click", alla sua attenzione all'intonazione in unità di 1 hertz, il segreto di GACKT per "aumentare la risoluzione dell'orecchio" è il vero fondamento della sovrumana capacità uditiva mostrata a "Celebrity Rating Check". Speriamo che ascoltiate e prestiate attenzione alla filosofia musicale di GACKT.

■ Alcuni musicisti sono collassati durante le prove

--Come avete selezionato i membri di questa orchestra?

Quando li avete scelti, li abbiamo cambiati di continuo. Abbiamo dovuto esibirci per più di tre ore in totale, in due spettacoli, uno pomeridiano e uno serale, in piedi. Era impossibile se i musicisti non ci riuscivano. Inoltre, come parte della produzione, dovevamo esibirci indossando delle mascherine, e abbiamo iniziato controllando e sistemando ogni membro per vedere da quale angolazione sarebbe stato visibile lo spartito. Alla fine, siamo andati allo spettacolo con i membri che pensavamo fossero in grado di farlo. Alcuni musicisti sono crollati durante le prove.

--Crollati!?

Esatto. Le mie prove sono lunghe e il gruppo non è mai stato così affollato. Alcuni si sono ammalati e sono crollati nel bel mezzo dello spettacolo, e altri ci hanno chiesto di farli sedere, quindi è stato davvero difficile...

--Quindi i membri di questa orchestra erano quelli che potevano rispondere con flessibilità a quel tipo di produzioni e condizioni.

Questa fase è stata resa possibile perché abbiamo riunito persone in grado di rispondere con flessibilità e desiderose di creare qualcosa di nuovo insieme. Se li avessimo scelti semplicemente perché erano "bravi musicisti", non avrebbe funzionato.

--Avete lavorato tutti insieme per creare uno stile che non avevate mai sperimentato prima. Dopo aver superato tali difficoltà, l'after-party dev'essere stato davvero emozionante.

All'after-party, abbiamo ripensato a questa performance e parlato di "cosa abbiamo guadagnato". Abbiamo parlato di come possiamo usare ciò che abbiamo imparato da questa performance quando torneremo nella band. In altre parole, se perseguiamo il sound con la stessa attenzione che abbiamo dedicato questa volta, possiamo suonare con una qualità superiore. Ogni membro della band ne era consapevole. Quindi dicevamo cose come: "Dobbiamo creare questo tipo di sound in questo momento", oppure "Dobbiamo essere consapevoli di far risaltare il sound (rendendolo più udibile)". È stato un after-party davvero "intenso" (ride).

--Un after-party da maniaci... La sesta canzone della scaletta, "UNTIL THE LAST DAY", è stata particolarmente impressionante. Come è stata arrangiata?

Questo brano è originariamente intenso e "pericoloso", quindi quando abbiamo aggiunto l'orchestra, ci siamo concentrati su quanto avremmo potuto espandere questa visione del mondo pericolosa durante l'arrangiamento. In effetti, abbiamo dedicato molto tempo all'arrangiamento. Inoltre, è un brano dal ritmo veloce, quindi anche il minimo ritardo ne avrebbe ridotto lo slancio. Ecco perché abbiamo chiesto all'orchestra di essere consapevole di suonarlo con molta "inclinazione in avanti". Di conseguenza, questo brano ha un senso più forte della follia e del pericolo nella velocità.

--Un'esibizione "in avanti"?

Il tempo di un'esecuzione orchestrale è fondamentalmente diverso da quello di una band. In pratica, anche se iniziano a suonare in un "punto" di suono, hanno l'abitudine di iniziare un po' "indietro" rispetto a quel punto.

--La ​​band è perfettamente sincronizzata con il click (un suono guida utilizzato per allineare il tempo), ma l'orchestra è "dietro" di essa.

Esatto. Quando l'orchestra suona effettivamente con il click, suona un po' "in ritardo" nel complesso. Ma la band è a ritmo. Quindi, per far sì che la transizione tra i due suoni sia piacevole, il cantante deve essere "in mezzo".

--Capisco.

Quindi il click che sento con i miei auricolari è diverso dal click che sentono i membri della band. Il click che sento io è tra l'orchestra e la band. Il click dei membri della band è ancora più anticipato. Effettuiamo queste piccole regolazioni per ogni canzone durante le prove. Facciamo un lavoro dettagliato, tipo "quanto indietro" dovremmo metterlo.

--È stato il tuo primo tentativo in questo senso?

No, lo faccio sempre nei miei concerti dal vivo. Anche quando suono in una band, regolo sempre il click. Perché a volte i piatti della batteria coprono la mia voce. Spostando il click, la mia voce suona più chiara.

--Anche tra i professionisti, non sono in molti a spingersi così oltre?

Di solito nessuno lo fa.

--Quindi ti piace fare lavori dettagliati, dopotutto... (ride).

Non mi piace (ride)! Lo faccio perché fa sentire bene l'ascoltatore!

--Sei incredibilmente meticoloso.

Mi chiedo se sia giusto rivelare un simile segreto (ride). Questa è una storia più dettagliata, ma anche per quanto riguarda l'intonazione (frequenza), canto a un'intonazione standard di La = 442 Hz. Una differenza di pochi Hz fa un'enorme differenza nella risonanza del suono. Dipende tutto dal fatto che tu ne sia consapevole o meno. I cantanti comuni non riescono a percepire la differenza.

■Avere un orecchio di prima categoria...!?

--La capacità acuta di GACKT di distinguere tra suoni diversi che mostra in "Celebrity Rating Check" è possibile solo grazie a questo tipo di orecchio.

Mi chiedo se la gente trovi piacevoli da leggere queste storie da nerd...

--Devono piacere a tutti! Per chi vuole avere un "orecchio di prima categoria" come GACKT, ci sono dei punti da tenere a mente quando ascolta quest'opera?

L'ho già detto (parte 1), ma la quantità di informazioni che l'orecchio umano può elaborare varia da persona a persona. Molti dicono di non amare la musica classica, ma uno dei motivi è che la musica classica contiene troppe informazioni. Ci sono molti strumenti, le melodie sono complesse e il numero di tracce è incredibile. Essere in grado di distinguere tra tutto ciò è un po' come allenarsi. È allenamento. Mi piace questo genere di cose, quindi a volte uso circa 160 tracce nelle mie canzoni per crearle. Ma d'altra parte, per chi non ama quel tipo di suono complesso, suona come "musica rumorosa".

--Esistono "modi per allenare l'orecchio" che si adattano alle preferenze e agli obiettivi di ognuno.

La musica è simile alla matematica. Alcuni trovano divertenti le formule complesse, mentre altri riescono a usare solo formule semplici. Per chi non trae piacere dalla musica, qualsiasi formula è semplicemente "fastidiosa". Ma una volta capito quanto sia interessante, la musica più complessa è spesso più piacevole. Mentre ascolti musica, un giorno ti rendi conto all'improvviso: "Oh, ecco una melodia così!". Questa è la prova che il tuo orecchio si sta sviluppando. Se riesci a percepire nuovi suoni anche se ascolti la stessa canzone da anni, significa che la "risoluzione" del tuo udito è migliorata.

--Se la risoluzione del tuo udito migliora, sarai in grado di notare meglio i dettagli di quest'opera.

Quest'opera contiene anche molti piccoli suoni che faranno esclamare "Oh!" a chi ha orecchie ad alta risoluzione. Per chi ama questo genere di cose, quest'opera sarà sicuramente un successo.

--Sono sicuro che ci siano persone che pensano: "Non ho orecchie come GACKT, ma mi piacerebbe averle". Da dove dovrebbero iniziare queste persone?

Non sto dicendo che dovreste ascoltare musica classica. Innanzitutto, quando ascoltate la vostra musica preferita, se avete l'ambiente per regolare l'equalizzatore, provate a farlo. Potete farlo anche sul vostro iPhone. Provate diverse impostazioni di equalizzazione e controllate "quali suoni sentite e quali suoni scompaiono". Poi vi renderete conto: "C'è un suono come questo a questa frequenza".

--Sembra facile da capire.

Ad esempio, se disattiverete tutte le frequenze basse e medie e ascolterete solo le alte, la stessa canzone suonerà completamente diversa. Noterete suoni che normalmente non sentite. Una volta che ci avrai fatto l'esperienza, anche tornando alle impostazioni di equalizzazione originali, sarai in grado di "vedere" quei suoni. Dev'essere divertente.

--Ottimo allenamento.

Modifico sempre l'equalizzazione, al punto che a volte mi chiedo se sono mentalmente instabile (ride).

--Immagino che dopotutto ti piaccia il lavoro dettagliato...

Quindi... non lo è (lol)!

Fonte: Oricon.co.jp, Oricon.co.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
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[:en]The live album "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Demon King Symphony", which includes the live concert "GACKT PHILHARMONIC 2025" with an orchestra held at Sumida Triphony Hall on April 13th, will be released on July 4th. A total of 13 songs, including a medley of GACKT's songs selected as suitable for orchestral arrangement, will be performed on stage with the band sound of YELLOW FRIED CHICKENz, which he has led since last fall, and the orchestra sound of Grand Philharmonic Tokyo. The complete "fusion" of rock and orchestra has been performed many times in the past, both in the East and the West, but GACKT wants to continue doing this. He talked about his thorough commitment to the sound necessary to achieve this and his heart's desire to put his fans first.

--First of all, please tell us the concept you came up with when you launched "GACKT PHILHARMONIC 2025".
"We held an orchestra concert once 12 years ago, but to be honest, it wasn't as moving as I had imagined. There are many conflicts when it comes to performing live on stage. Rock music is loud to begin with, and if the orchestra sounds over that, they can't be heard, and if they could be heard, the impact of rock music would be lost. Even the fans who came to watch ended up thinking, "The original is better," or "This is fine, but..." and even for the performers, "It didn't turn out as expected," which is the reality of rock x orchestra. We decided to get rid of those preconceived notions and build from the vision of "a rock orchestra stage like no one has ever seen before."

--What is that vision? "The first thing I imagined was a ritual like a 'Black Mass.' If I was going to do this, I thought it would be moving if it wasn't for a worldview that makes you feel like you've entered a religious ceremony, or that you've seen something you shouldn't see. We all wore masks, and started by creating an image that started with a ritual-like situation. As I was discussing with the orchestra's representative, they were reluctant to play standing up (unlike the style of a typical orchestra, this performance will be played standing up). However, I told them at that time, 'I'm not just saying I want to play with an orchestra.' Even if the conductor is famous, I don't want to force him to do something he doesn't want to do. Instead, I told them, 'I'm looking for friends who will help me create this worldview.' That was the starting point."

--Why did you choose Sumida Trinity Hall as the venue? "That was decided by the Grand Philharmonic Tokyo (conductor: Yoneda Satoshi), who performed with us this time. However, it was a pleasure to perform in a classical hall for the first time in a while to be able to perform with such good sound. In a normal hall, when singing on stage, you always think about the echo, adjust the monitor, and consider how much echo there is on the microphone. However, a classical hall is specialized in sound, so the speed at which the sound travels is very fast. The sound flies straight and is designed with great consideration so that it reaches the people in the back seats in the same way. And yet it is by no means dead (with little reverberation). The sound travels in one direction from the stage to the audience, so it feels really good. On the other hand, classical halls do not allow smoke and have various other production restrictions. I think this live is not just about the sound, but also the visuals, so I feel that the balance needs to be considered when choosing a venue in the future."

--So you had to maintain this worldview while also creating something that was musically satisfying at the same time.

"Yes. Musically speaking, I'm originally a drummer, so I didn't want to use electronic drums. But if we put in live drums, the sound would clash with the other instruments in the orchestra, and if we put in soundproofing, the ritualistic worldview would be lost. So I thought, why not use electronic drums? I also started to think about how to overcome these issues and put together the stage structure."

--How long did you rehearse for?
"It took about a month. We had to adjust the sound to match the orchestral arrangement that came in the form of a program, but because an orchestra plays live instruments, there is a big difference in intonation and sound output. On the other hand, a rock band may change the tone with effects, but once the output is decided, it basically doesn't change. In other words, it's impossible for a single PA to adjust a band with a small output range and an orchestra with a large output range to both be on the same stage. Therefore, unless we could perfectly create that balance in rehearsals, this live performance would never go well."

--What kind of measures did you take?
"We had to think more like an orchestra. If you think 'I can't hear a sound, so let's turn up the volume,' then some sound will inevitably be lost. That way the ensemble won't work as music. So we started by experimenting in rehearsals to see 'what sounds get through'. The key is the drums and bass; if you can't hear them the band won't work. But if they're too loud it ruins everything. Cymbals can be heard not because they're loud, but because they have good 'sound penetration.' As long as the sound penetrates, you can create a sound that has an impact with the attack but doesn't interfere with the other instruments. I told everyone this and, checking all the frequency ranges of the electric drums, we kept selecting 'this sound will penetrate and that won't penetrate' during rehearsals. In one song, we started by adjusting the output of all the instruments to balance the orchestra in all sections - intro, A melody, B melody, chorus, second verse, solo, and outro."

--That's an incredible amount of effort put into sound creation.
"That's not possible. On a professional stage, the techs (sound technicians) switch between effects, but if they do that for all sections, there will be a tremendous amount of stepping on even the same tone. The techs don't imagine that, so it's no wonder they don't know what to do."

--So you're thorough with your way of thinking about sound creation to suit this live show.
"It's not as simple as just putting an orchestra on top of the band. If the guitar, bass, and drums don't have the volume balance to be part of the orchestra, they can't exist in the first place, and they won't become an ensemble. For example, if the orchestral sound seems to disappear when you turn up the volume of the band, it's simply because that frequency band is clashing with the orchestra's instruments, so you have to find out which frequency band you can hear. Once you've done that and put it all together, it finally comes together as one song. Doing this for 12 songs is pretty much the end of the rehearsal... That's a geeky story (laughs)."

--So despite the large and intense band sound on stage, it was very easy to listen to, thanks to all those fine adjustments.
"But even though the drums, guitar, and bass are all playing hard on stage, in fact the sound doesn't exist onstage. The band's instruments are not amp-equipped, but instead have line outputs (instead of sound coming from the stage, each instrument outputs to the PA and then plays it as sound). This is a way to avoid sound conflicts between the players onstage, and as a result the orchestra can play as usual."
--I see.
"However, there was an issue with my microphone being completely affected by the roar of the live orchestra playing nearby. Anticipating this, I carefully adjusted the monitor balance to see how my vocals would sound. I stood in front of the monitor desk and fiddled with all the EQ to find the frequency band where my vocals were coming through while keeping the orchestral sound at a certain level. I did this kind of nerdy work over about five days of rehearsals."

--I saw the archive footage, and the microphone was very close to your mouth.

"Yes. If you don't put it like that, the sounds will overlap, and if you don't get that close, you won't be able to hear the vocals in the first place. If you move it away from the microphone, you'll only hear the orchestra in the monitors. So it had to be that close. We could have used a microphone with an extremely narrow directivity, but I thought, "This method will definitely come back to the band's staging as an experience someday," so I pursued it to the point. I looked for a frequency band where the vocals would come through, and when I actually put my voice over it, my voice on the monitor sounded like a robot (laughs). It was weird to me, but unless I put it that way, my voice wouldn't come through in the in-ear monitors."

--So that's how you vocalize when you only hear your own voice on the monitor.
"Even when I record my own sound, by cutting out everything outside of this range, I can hear the orchestra and I can clearly hear the pitch of what I'm singing. However, it's not my real voice. I prioritized making it sound like the whole ensemble."

--So you were willing to follow that overall picture.

--I'm someone who can respond flexibly to things like that, and it's not like, 'I hate singing while listening to something that's not my own voice!' It wasn't because I wanted to sing comfortably, but it was a rehearsal to figure out what I had to do to make the people listening feel comfortable. It was almost like a repetition of an experiment, but by repeating it, I found that I could put the sound together more clearly on stage, and I'm sure that this will definitely come back to future band performances and deliver higher quality music."

--You can sense your professional attitude towards the audience.
"When I go on stage, it actually feels better to play at full volume using only foot monitors, without in-ear monitors. But being on stage isn't just for my own enjoyment, it's to make the people who come to watch feel good too. I believe that a live performance only works when those people are moved by the sound, performance and energy, which is why I've been performing live for the past 26 years. I took this idea even further with this orchestra, and the answer came. It also completely changed my perception, which had made me think that what I had done up until then was enough. Even during the experiment, I thought, 'If I'd been able to do this kind of thing from a younger age, the way I've grown in music would have been very different.' Doing these kinds of nerdy things Pursuing each step one by one, how can I put it... it's a bit cliched to dismiss it as "interesting," but it really makes me think "music is amazing" and "sound is interesting." Isn't it nice to be able to think like that at my age? (laughs) And that gets through to the other members of the band. We decide the sound output thoroughly in band rehearsals, and play together while changing everything. That makes you more conscious of the finer details of your performance. When everyone starts playing while paying attention to the extremely fine details of the groove, like how long to hold the sound and when to cut it, even we, the musicians, notice the difference in the quality of the performance. I was really happy that the other members of the band could feel that too."

--Your band YELLOW FRIED CHICKENz first performed on stage at Kishidan Expo in November, then you did two Christmas shows, and now this one. You've had the experience of performing a lot of shows in a short period of time. "Even though Kishidan Expo only had four songs to play, we had been rehearsing just the band for nearly a month. And before the Christmas live performance we had been rehearsing for about a month, and they rehearsed like crazy. The reason for this was that I wanted them to meet the level of performance I demanded. I think that's why they were able to play at such a high level. That alone was pretty tough, but on top of that, this time each stage was about an hour and 40 minutes long, non-stop with no MCs, so we also had to build up the stamina to do that. In the morning they would come to my gym to train with me, then go to rehearsal, and then we would start working on putting the sound together, and then I would join in and check it in more detail, making any corrections before the next day. We did that every day, so of course it was tough."

--Just before that, GACKT-san, you also had the acoustic live tour "LAST SONGS" with K-san in March, but how did you feel and concentrate when switching from that? "Rather than switching between the two, I practiced them all at the same time. Because "LAST SONGS" is acoustic and has few instruments, I can lower my vocal output to the point where there is no sound at all. You can still hear me whispering. But if I were to sing like that with an orchestra behind me, it would be drowned out in an instant. I practiced a singing style that narrowed the range of my volume output very much, without increasing the range, and kept a certain level, during the "LAST SONGS" rehearsals, and tried to switch within myself. During the rehearsal period for "Maou Symphony", there was a film festival in Okinawa, and I set up a studio in the hotel and practiced until 4am. When you practice that much and push yourself to the limit, something goes wrong (laughs). My tension just rose, and I thought, "This is kind of interesting," and I felt, "I'm so happy that I can be so passionate about creating sound at this age."

-- I really felt GACKT's love and commitment to sound. What did you think about the set list? "Some of the songs have an affinity with classical music, and some don't, and I picked out the ones that had the most affinity and put together the album. Of course, I myself used to be a fan of classical music, so it's true that there are a relatively large number of songs that have an affinity with classical music, but if the arrangements were forced, it would be counterproductive, and if the people who come to see the show aren't moved to tears, with their hearts trembling and goosebumps constantly rising, and saying 'music is so amazing,' then there's no point in me going on stage."

--Did you discover anything new by singing your own songs in this arrangement?

If anything, I felt that there is a way of singing that is easy to convey in rock. When I sing "LAST SONGS," I sing in a whisper-like way, and when I increase the output, I increase it to about 80% of my limit, but on a stage with a lot of sound like "Maou Symphony," there is no need to make such a big difference in output. I always kept the output at about 50% to 75%. I am the type of person who likes to sing with intonation, so this live performance allowed me to confirm once again that "this sound comes out better" or "this sound reaches more."

--And you conducted the first three songs of "Four Seasons" ("Hakuro," "Day Breakers," and "Sakura, Chiru..."). Have you had experience of conducting before?

"I have never conducted before, and I did not practice at all when I stood on stage this time."

--Really?
"This is just my own opinion, but when we rehearse, I usually move my hands to get everyone in sync with the groove, and I thought it would be more meaningful to show the fans how I usually use my body to get everyone in sync with the groove in rehearsals, rather than how well I can conduct as a conductor. This time, I just did what I usually do in rehearsals. So, as a conductor, I don't really know if it's good or not. However, on the podium, I simply told each instrument, 'If you do it like this, it will get through to the performers. I want you to show more emotion here, to express yourself.' If you ask how it's different from a rehearsal, it's whether I have a baton or not, that's the only difference."

--Have you listened to the mastered version of this live CD, GACKT?
"I haven't heard it yet, but when I listened to the sound after we finished playing, I was moved and thought, 'this is amazing.' It was a finished product that would not have been possible without mixing. After so many rehearsals, thinking about all the outputs, and making sure that the PA didn't have to operate it, the sound is so cohesive. And since we're going to remix it once more, it will be of extremely high quality."

--You've said that you want to take this to other orchestras and other venues, but can you tell us about your intentions and future prospects?
"Even if we only consider developed countries, such as Japan, most prefectures have orchestras of various types, including public ones, but unfortunately, since the COVID-19 pandemic, some places have found it difficult for orchestras to continue. One reason why I want to create this with orchestras from various places is that, although the performance must exceed a certain level, which is of course the minimum requirement, I want to work with people who want to 'create a world view together.' You can't create something good just by jumping on the bandwagon and saying, 'Yes, we did it,' so there is a lot of meaning in creating something together, as we did this time. Rock and classical music are the same type of music, but the gap between the genres is very strong. Rock People who like classical music don't listen to it, and vice versa. But when rock and classical music truly fuse and become an ensemble, classical music fans will say, "I've never heard anything like this," and it will act as a bridge for people who have only listened to rock to see, "Classical music is so amazing." It will be very meaningful for both genres, and the more people who think that performing is a wonderful thing, the wider the music market will become, so I think that older musicians like us need to be the ones to provide that opportunity. I think I've reached an age where I need to do this as one of the things I need to do."

Source: Oricon.co.jp

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Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
[:it]L'album live "GACKT PHILHARMONIC 2025 - Demon King Symphony", che include il concerto dal vivo "GACKT PHILHARMONIC 2025" con orchestra tenutosi alla Sumida Triphony Hall il 13 aprile, uscirà il 4 luglio. Un totale di 13 brani, tra cui un medley di brani di GACKT selezionati come adatti all'arrangiamento orchestrale, saranno eseguiti sul palco con il sound della band YELLOW FRIED CHICKENz, di cui è alla guida dallo scorso autunno, e il sound dell'orchestra della Grand Philharmonic Tokyo. La completa "fusione" tra rock e orchestra è stata eseguita molte volte in passato, sia in Oriente che in Occidente, ma GACKT vuole continuare a farlo. Ha parlato del suo profondo impegno nel raggiungere questo obiettivo e del suo profondo desiderio di mettere i suoi fan al primo posto.

--Prima di tutto, per favore, raccontaci il concept che hai avuto quando hai lanciato "GACKT PHILHARMONIC 2025".

"Abbiamo tenuto un concerto orchestrale una volta 12 anni fa, ma a dire il vero, non è stato così emozionante come avevo immaginato. Ci sono molti conflitti quando si tratta di esibirsi dal vivo sul palco. La musica rock è già di per sé rumorosa, e se l'orchestra suona sopra, non si sente, e se si sentisse, l'impatto della musica rock andrebbe perso. Persino i fan che sono venuti a vedere hanno finito per pensare: "L'originale è meglio", oppure "Questo va bene, ma..." e persino gli artisti hanno pensato: "Non è andata come previsto", che è la realtà di Rock X Orchestra. Abbiamo deciso di liberarci da questi preconcetti e di costruire partendo dalla visione di "un palco per orchestra rock come nessuno ha mai visto prima".

--Qual è questa visione? "La prima cosa che ho immaginato è stato un rituale come una 'Messa Nera'. Se avessi dovuto farlo, pensavo che sarebbe stato toccante se non fosse stato per una visione del mondo che ti fa sentire come se fossi entrato in una cerimonia religiosa, o come se avessi visto qualcosa che non avresti dovuto vedere. Indossavamo tutti delle maschere e abbiamo iniziato creando un'immagine che partiva da una situazione rituale. Mentre discutevo con il rappresentante dell'orchestra, erano riluttanti a suonare in piedi (a differenza dello stile di un'orchestra tipica, questa esibizione si terrà in piedi). Tuttavia, in quel momento ho detto loro: "Non sto solo dicendo che voglio suonare con un'orchestra". Anche se il direttore è famoso, non voglio costringerlo a fare qualcosa che non vuole fare. Invece, ho detto loro: "Sto cercando amici che mi aiutino a creare questa visione del mondo". Quello è stato il punto di partenza.

--Perché hai scelto la Sumida Trinity Hall come sede? "La decisione è stata presa dalla Grand Philharmonic Tokyo (direttore: Yoneda Satoshi), che si è esibita con noi questa volta. Tuttavia, è stato un piacere esibirsi per la prima volta dopo tanto tempo in una sala classica, potendo contare su un suono così buono. In una sala normale, quando si canta sul palco, si pensa sempre all'eco, si regola il monitor e si considera quanta eco c'è sul microfono. Tuttavia, una sala classica è specializzata in suono, quindi la velocità con cui il suono viaggia è molto elevata. Il suono viaggia dritto ed è progettato con grande attenzione in modo da raggiungere allo stesso modo le persone nei posti posteriori. Eppure non è affatto spento (con poca riverberazione). Il suono viaggia in una sola direzione dal palco al pubblico, quindi è davvero piacevole. D'altra parte, le sale classiche non ammettono fumo e hanno diverse altre restrizioni di produzione. Credo che questo live non sia solo una questione di suono, ma anche di immagini, quindi ritengo che l'equilibrio debba essere considerato nella scelta di una sede in futuro."

--Quindi dovevi mantenere questa visione del mondo creando allo stesso tempo qualcosa che fosse musicalmente appagante.

"Sì. Musicalmente parlando, in origine sono un batterista, quindi non volevo usare la batteria elettronica. Ma se avessimo usato la batteria dal vivo, il suono avrebbe stonato con gli altri strumenti dell'orchestra, e se avessimo messo l'insonorizzazione, la visione rituale del mondo sarebbe andata perduta. Così ho pensato, perché non usare la batteria elettronica? Ho anche iniziato a pensare a come superare questi problemi e a come costruire la struttura del palco."

--Quanto tempo avete provato?
"Ci è voluto circa un mese. Abbiamo dovuto adattare il suono all'arrangiamento orchestrale che ci è arrivato sotto forma di programma, ma poiché un'orchestra suona strumenti dal vivo, c'è una grande differenza nell'intonazione e nell'uscita sonora. D'altra parte, una rock band può cambiare il tono con gli effetti, ma una volta deciso il livello di uscita, sostanzialmente non cambia. In altre parole, è impossibile per un singolo impianto PA regolare una band con un range di uscita ridotto e un'orchestra con un range di uscita ampio per farle suonare entrambe sullo stesso palco. Pertanto, a meno che non riuscissimo a creare perfettamente questo equilibrio durante le prove, questa esibizione dal vivo non sarebbe mai andata bene."

--Che tipo di misure avete adottato? "Abbiamo dovuto pensare più come un'orchestra. Se pensi 'Non sento un suono, quindi alziamo il volume', allora una parte del suono andrà inevitabilmente persa. In questo modo l'ensemble non funzionerà come musica. Così abbiamo iniziato a sperimentare durante le prove per vedere 'quali suoni passano'. La chiave sono la batteria e il basso; se non li senti, la band non funzionerà. Ma se sono troppo forti, rovinano tutto. I piatti si sentono non perché sono forti, ma perché hanno una buona 'penetrazione sonora'. Finché il suono penetra, puoi creare un suono che ha un impatto sull'attacco ma non interferisce con gli altri strumenti. L'ho detto a tutti e, controllando tutte le gamme di frequenza della batteria elettronica, continuavamo a selezionare "questo suono penetrerà e quello non penetrerà" durante le prove. In un brano, abbiamo iniziato regolando l'uscita di tutti gli strumenti per bilanciare l'orchestra in tutte le sezioni: introduzione, melodia A, melodia B, ritornello, seconda strofa, assolo e outro.

--È un'incredibile quantità di impegno profuso nella creazione del suono.
"Non è possibile. Su un palco professionale, i tecnici del suono cambiano gli effetti, ma se lo fanno per tutte le sezioni, ci saranno un'enorme quantità di passaggi anche sullo stesso tono. I tecnici non lo immaginano, quindi non c'è da stupirsi che non sappiano cosa fare.

--Quindi sei scrupoloso nel tuo modo di pensare alla creazione del suono per adattarlo a questo spettacolo dal vivo. Non è così semplice come mettere un'orchestra sopra la band. Se chitarra, basso e batteria non hanno il volume bilanciato per far parte dell'orchestra, non possono esistere fin dall'inizio e non diventeranno un ensemble. Ad esempio, se il suono orchestrale sembra scomparire quando si alza il volume della band, è semplicemente perché quella banda di frequenza si scontra con gli strumenti dell'orchestra, quindi bisogna scoprire quale banda di frequenza si riesce a sentire. Una volta fatto questo e messo insieme il tutto, il risultato finale diventa un unico brano. Fare questo per 12 brani è praticamente la fine delle prove... Questa è una storia da nerd (ride)."

--Quindi, nonostante il suono ampio e intenso della band sul palco, è stato molto facile da ascoltare, grazie a tutti quegli aggiustamenti precisi. "Ma anche se batteria, chitarra e basso suonano tutti intensamente sul palco, in realtà il suono non esiste sul palco. Gli strumenti della band non sono dotati di amplificatori, ma di uscite di linea (invece di far uscire il suono dal palco, ogni strumento lo invia al PA e lo riproduce come suono). Questo è un modo per evitare conflitti sonori tra i musicisti sul palco e, di conseguenza, l'orchestra può suonare come al solito."
--Capisco.
"Tuttavia, c'era un problema con il mio microfono che veniva completamente influenzato dal boato dell'orchestra che suonava dal vivo nelle vicinanze. Prevedendo questo, ho regolato attentamente il bilanciamento del monitor per vedere come sarebbe suonata la mia voce. Mi sono messo davanti al mixer e ho giocato con l'equalizzatore per trovare la banda di frequenza in cui la mia voce proveniva, mantenendo il suono dell'orchestra a un certo livello. Ho fatto questo tipo di lavoro da nerd per circa cinque giorni di prove."

--Ho visto il filmato d'archivio e il microfono era molto vicino alla bocca.

"Sì. Se non lo metti così, i suoni si sovrapporranno, e se non ti avvicini così tanto, non sarai in grado di sentire la voce. Se lo allontani dal microfono, sentirai solo l'orchestra nei monitor. Quindi doveva essere così vicino. Avremmo potuto usare un microfono con una direttività estremamente stretta, ma ho pensato: "Questo metodo tornerà sicuramente sul palco della band come esperienza un giorno", quindi l'ho perseguito fino in fondo. Ho cercato una banda di frequenza in cui la voce sarebbe passata, e quando ci ho messo sopra la mia voce, la mia voce sul monitor suonava come un robot (ride). Mi è sembrato strano, ma a meno che non la mettessi in quel modo, la mia voce non sarebbe arrivata nei monitor in-ear."

--Quindi è così che si vocalizza quando si sente solo la propria voce sul monitor. "Anche quando registro il mio suono, eliminando tutto ciò che è al di fuori di questo intervallo, riesco a sentire l'orchestra e a percepire chiaramente l'intonazione di ciò che canto. Tuttavia, non è la mia vera voce. Ho dato priorità a farla suonare come l'intero ensemble."

--Quindi eri disposto a seguire quella visione d'insieme.

--Sono una persona che può rispondere in modo flessibile a cose del genere, e non è come dire 'Odio cantare mentre ascolto qualcosa che non è la mia voce!'. Non è perché volessi cantare a mio agio, ma è stata una prova per capire cosa dovevo fare per mettere a proprio agio chi mi ascoltava. È stato quasi come ripetere un esperimento, ma ripetendolo ho scoperto di poter comporre il suono in modo più chiaro sul palco, e sono sicuro che questo si rifletterà sicuramente nelle future esibizioni della band e offrirà musica di qualità superiore."

--Si percepisce il tuo atteggiamento professionale nei confronti del pubblico.
"Quando salgo sul palco, in realtà mi sento meglio a suonare a tutto volume usando solo i foot monitor, senza auricolari. Ma stare sul palco non è solo per il mio piacere personale, è anche per far sentire bene chi viene a guardarmi. Credo che un'esibizione dal vivo funzioni solo quando queste persone sono emozionate dal suono, dalla performance e dall'energia, ed è per questo che mi esibisco dal vivo da 26 anni. Ho portato quest'idea ancora oltre con questa orchestra, e la risposta è arrivata. Ha anche cambiato completamente la mia percezione, che mi aveva fatto pensare che quello che avevo fatto fino ad allora fosse sufficiente. Anche durante l'esperimento, ho pensato: "Se fossi stato in grado di fare questo genere di cose fin da giovane, il modo in cui sono cresciuto nella musica sarebbe stato molto diverso". Fare questo genere di cose da nerd, seguire ogni passaggio uno per uno, come posso dire... è un po' scontato liquidarlo come "interessante", ma mi fa davvero pensare che "la musica è fantastica" e "il suono è interessante". Non è bello poter pensare in questo modo alla mia età? (ride) E questo arriva agli altri membri della band. Decidiamo attentamente l'uscita del suono durante le prove e suoniamo insieme cambiando tutto. Questo ti rende più consapevole dei dettagli più fini della tua performance. Quando tutti iniziano a suonare prestando attenzione ai dettagli estremamente fini del groove, come per quanto tempo mantenere il suono e quando tagliarlo, anche noi musicisti notiamo la differenza nella qualità dell'esecuzione. Ero davvero felice che anche gli altri membri della band potessero percepire la stessa cosa."

--La vostra band, gli YELLOW FRIED CHICKENz, si è esibita per la prima volta sul palco del Kishidan Expo a novembre, poi avete fatto due concerti a Natale e ora questo. Avete avuto l'esperienza di esibirvi in ​​molti concerti in un breve lasso di tempo. "Anche se al Kishidan Expo c'erano solo quattro canzoni da suonare, abbiamo provato solo la band per quasi un mese. E prima del concerto di Natale abbiamo provato per circa un mese, e loro hanno provato come matti. Il motivo era che volevo che raggiungessero il livello di performance che pretendevo. Credo sia per questo che sono riusciti a suonare a un livello così alto. Già solo quello è stato piuttosto impegnativo, ma in più, questa volta ogni concerto durava circa un'ora e 40 minuti, senza interruzioni e senza presentatori, quindi abbiamo dovuto anche accumulare la resistenza necessaria per riuscirci. La mattina venivano in palestra ad allenarsi con me, poi andavano alle prove e poi iniziavamo a lavorare sul sound, poi io mi univo a loro e lo controllavo più nel dettaglio, apportando eventuali correzioni prima del giorno dopo. Lo facevamo ogni giorno, quindi ovviamente era dura."

--Poco prima, GACKT-san, a marzo avevi anche fatto il tour acustico dal vivo "LAST SONGS" con K-san, ma come ti sei sentito e concentrato quando hai smesso di suonare lì? Invece di alternare le due, le ho provate tutte contemporaneamente. Dato che "LAST SONGS" è un brano acustico e con pochi strumenti, posso abbassare la mia emissione vocale fino al punto in cui non si sente alcun suono. Mi si può ancora sentire sussurrare. Ma se cantassi così con un'orchestra alle spalle, verrei soffocato in un istante. Ho provato uno stile di canto che restringeva notevolmente l'intervallo del mio volume, senza aumentarlo, e ho mantenuto un certo livello, durante le prove di "LAST SONGS", cercando di alternare i suoni. Durante il periodo delle prove di "Maou Symphony", c'era un festival cinematografico a Okinawa, e ho allestito uno studio in hotel e ho provato fino alle 4 del mattino. Quando ti alleni così tanto e ti spingi al limite, qualcosa va storto (ride). La mia tensione è aumentata, e ho pensato: "Questo è piuttosto interessante", e ho pensato: "Sono così felice di potermi appassionare così tanto alla creazione di suoni a questa età".

-- Mi sono sentito davvero L'amore e l'impegno di GACKT per il sound. Cosa ne pensi della scaletta? "Alcune canzoni hanno un'affinità con la musica classica, altre no, e ho scelto quelle che avevano più affinità e ho messo insieme l'album. Certo, io stesso ero un appassionato di musica classica, quindi è vero che ci sono un numero relativamente elevato di canzoni che hanno un'affinità con la musica classica, ma se gli arrangiamenti fossero forzati, sarebbe controproducente, e se le persone che vengono a vedere lo spettacolo non si commuovono fino alle lacrime, con il cuore che trema e la pelle d'oca che sale costantemente, e non dicono "la musica è così incredibile", allora non ha senso che io salga sul palco.

--Hai scoperto qualcosa di nuovo cantando le tue canzoni in questo arrangiamento?

Se non altro, ho sentito che c'è un modo di cantare che è facile da trasmettere nel rock. Quando canto "LAST SONGS", canto in modo sussurrato, e quando aumento il volume, lo porto a circa l'80% del mio limite, ma su un palco con molti suoni come "Maou Symphony", non c'è bisogno di fare una differenza così grande nel volume. Ho sempre mantenuto il volume tra il 50% e il 75% circa. Sono il tipo di persona a cui piace cantare con intonazione, quindi questa esibizione dal vivo mi ha permesso di confermare ancora una volta che "questo suono esce meglio" o "questo suono raggiunge di più".

--E hai diretto i primi tre brani di "Four Seasons" ("Hakuro", "Day Breakers" e "Sakura, Chiru..."). Avevi già avuto esperienze come direttore d'orchestra?

"Non ho mai diretto prima e questa volta non mi sono esercitato affatto quando sono salito sul palco."

--Davvero?
"Questa è solo la mia opinione, ma quando proviamo, di solito muovo le mani per sincronizzare tutti con il ritmo, e ho pensato che sarebbe stato più significativo mostrare ai fan come di solito uso il mio corpo per sincronizzare tutti con il ritmo durante le prove, piuttosto che quanto bene so dirigere come direttore d'orchestra. Questa volta, ho semplicemente fatto quello che faccio di solito durante le prove. Quindi, come direttore d'orchestra, non so davvero se sia buono o meno. Tuttavia, sul podio, ho semplicemente detto a ogni strumento: "Se lo fate in questo modo, arriverà agli esecutori. Voglio che mostriate più emozioni qui, che vi esprimiate". Se mi chiedete in cosa differisce da una prova, l'unica differenza è se ho la bacchetta o no."

--Hai ascoltato la versione masterizzata di questo CD live, GACKT?
"Non l'ho ancora sentito, ma quando ho ascoltato il suono dopo aver finito di suonare, mi sono commosso e ho pensato: 'Questo è fantastico'. Era un prodotto finito che non sarebbe stato possibile senza il mixaggio. Dopo così tante prove, pensando a tutte le uscite e assicurandomi che il PA non dovesse gestirle, il suono è così coeso. E dato che lo remixeremo ancora una volta, sarà di altissima qualità."

--Hai ascoltato la versione masterizzata di questo CD live, GACKT?
"Non l'ho ancora sentita, ma quando ho ascoltato il suono dopo aver finito di suonare, mi sono commosso e ho pensato: 'È fantastico'. Era un prodotto finito che non sarebbe stato possibile senza il mixaggio. Dopo così tante prove, pensando a tutte le uscite e assicurandomi che il PA non dovesse gestirle, il suono è così coeso. E dato che lo remixeremo ancora una volta, sarà di altissima qualità."

--Hai detto che vuoi portare questa in altre orchestre e in altri locali, ma puoi parlarci delle tue intenzioni e delle tue prospettive future? Anche se consideriamo solo i paesi sviluppati, come il Giappone, la maggior parte delle prefetture ha orchestre di vario tipo, comprese quelle pubbliche, ma purtroppo, a causa della pandemia di COVID-19, in alcuni luoghi è stato difficile per le orchestre continuare a esistere. Uno dei motivi per cui voglio creare questo progetto con orchestre provenienti da diverse parti del mondo è che, sebbene l'esecuzione debba superare un certo livello, che è ovviamente il requisito minimo, voglio lavorare con persone che desiderano "creare una visione del mondo insieme". Non si può creare qualcosa di buono semplicemente saltando sul carrozzone e dicendo: "Sì, ce l'abbiamo fatta", quindi c'è molto significato nel creare qualcosa insieme, come abbiamo fatto questa volta. Il rock e la musica classica sono lo stesso tipo di musica, ma il divario tra i generi è molto profondo. Rock. Chi ama la musica classica non la ascolta, e viceversa. Ma quando il rock e la musica classica si fonderanno veramente e diventeranno un tutt'uno, gli appassionati di musica classica diranno: "Non ho mai sentito niente del genere", e questo fungerà da ponte per chi ha ascoltato solo rock, che capirà: "La musica classica è fantastica". Sarà molto significativo per entrambi i generi, e più persone pensano che esibirsi sia una cosa meravigliosa, più ampio diventerà il mercato musicale, quindi penso che i musicisti più anziani come noi debbano essere quelli che offrono questa opportunità. Credo di aver raggiunto un'età in cui devo fare questo come una delle cose che devo fare.

Source: Oricon.co.jp

Translation: GACKT ITALIA Team

Translation © GACKT ITALIA
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